Fort Worth – La palabra "sonríe" entró al léxico de la fotografía amateur estadounidense alrededor de 1880. Gracias a los flexibles rollos de filme que permitían la revelación casi instantánea de las imágenes, el pueblo fue liberado de la rigidez de largas exposiciones necesarias para hacer retratos, y de la solemnidad de los estudios fotográficos. Muy pronto miles y después millones de aficionados a la fotografía, apuntaron sus cámaras a sus amigos y familiares para capturar momentos importantes y frivolidades que en el pasado no eran posibles.

FOTO CORTESÍA

La exposición 'The Art of the American Snapshot: 1888-1978', del museo Amon Carter, explora la historia de las fotografías instantáneas con una colección de 234 imágenes.

Este es uno de los temas centrales de la exhibición "The Art of the American Snapshot: 1888-1978", en el museo Amon Carter. Las sonrisas que se perciben en estas 234 imágenes provienen tanto del fotógrafo como de sus modelos a pesar que estos están despistados o ni siquiera saben que les están tomando una foto. Los fotógrafos mismos se divirtieron documentando fiestas y vacaciones, amigos pasándola bien y jugueteando.

La exhibición que se creó a partir de la colección de Robert E. Jackson y fue organizada por la National Gallery of Art en Washington, D.C., se divide en varios periodos que cubren cuatro décadas.

Los avances en la tecnología y los cambios en las actitudes y la economía determinan estas divisiones, pero es indispensable que revise el amplio catálogo que acompaña la exhibición para apreciar las nuevas cámaras y cómo la publicidad que se les dio transformó su uso. En la galería textos breves describen las fotografías y preparan el escenario para lo que vamos a ver, y a la vez que seguimos las imágenes podemos observar como éstas comienzan a incrementar su movilidad y como el rollo de película fotográfica se volvió cada vez más sensible cambiando la forma y los lugares donde se practicaba la fotografía.

Tan pronto como la gente comenzó a adquirir estas cámaras relativamente baratas comenzaron a explorar su potencial y descubrieron que eran enormemente divertidas.

Retratos del siglo 19 muestran a los fotógrafos amateurs experimentando las posibilidades de la doble exposición y el collage, o directamente retocando las fotos para obtener resultados llenos de humor.

Por su sensibilidad, el rollo fotográfico entusiasmó a los aficionados a capturar imágenes de velocidad en las pistas de carreras o desde la ventana de un auto en movimiento. Las imágenes borrosas o difuminadas ya no eran consideradas un defecto sino elemento integral del momento capturado, como un grupo de amigos pateando la arena o un motociclista saltando de una rampa. El jugar con la profundidad de campo pronto se estableció como un motivo importante que aún persiste en el arte de la fotografía. Ejemplos de retratos de los años 20 y 30 muestran mujeres pequeñas junto a vacas gigantes y hombres supuestamente atrapados dentro de botellas de leche.

A veces, los autores del catálogo tienen que admitir que los efectos que más admiran son accidentales y que las implicaciones estéticas que concluyen a partir de ellas no necesariamente era algo que el fotógrafo tenía en mente. El joven padre que se fotografía a sí mismo fotografiando a su familia ante un espejo distorsionado probablemente no estaba realizando una compleja investigación del papel de la subjetividad en la imagen sino más bien quería capturar un momento divertido.

Sin embargo existe evidencia que al progresar el siglo, los aficionados comenzaron a responder a las tendencias del arte moderno que vieron en museos o en revistas sobre fotografía de arte y amateur. En los años 30 una joven se tomó una foto con dos amigas, tan cerca del lente que lograron lo que ahora se conoce como difuminado de foco suave, y escribieron al reverso: "el punto de vista modernista me coloca a mí en el centro, ¿verdad?". Y quizá los que tomaron foto aérea de las personas en la calle conocían trabajos de los modernistas como el ruso Alexander Rodchenko.

Muy pocos de los fotógrafos de esta exposición trabajaron en proyectos específicos por un extendido periodo. Por ejemplo, una familia en Alaska retrató a su hijo con su pastel de cumpleaños siete años consecutivos.

El grupo de imágenes más cautivador es el de una joven que se conoce sólo como Flo. Vivió en la YWCA de Milwaukee en los años 50 y tomó fotos de sus compañeras sin parar durante varios años. Éstas seguido se rehusaban y corrían de ella y se cubrían el rostro. Al final de su "carrera amateur", Flo estaba usando foto a color que se podía encontrar fácilmente a mediados de los años 50. La obra de Flo subraya los elementos voyeur y de intrusión de la fotografía instantánea y que son una constante de la exhibición.

La foto a color y la cámara Polaroid son los dos últimos desarrollos tecnológicos presentados en esta exposición. Durante las dos últimas décadas representadas, los fotógrafos aprendieron a apuntar sus cámaras en todas direcciones con tal de encontrar una composición interesante. Entonces, comienza a darse el crossover entre la fotografía y el arte, es decir, la estética de la fotografía instantánea informa al arte de la misma manera en que el arte informa a la foto instantánea.

Según el catálogo, 8.9 millones de instantáneas se tomaron en 1979. Tres décadas más tarde, ese número parecería una gota de agua en una tina. La página de internet Flickr dice que sus usuarios montan cerca de 3,000 imágenes por minuto. Ahora todos podemos hacer fotos digitales perfectas, manipularlas de la forma que queramos con software para imágenes y enviarlas a nuestros amigos o al mundo entero desde la computadora de nuestra casa.

"The Art of the American Snapshot" nos habla del espíritu gozoso de experimentación y el deseo de capturar el momento como lo vemos ahora en cibersitios como Flickr, YouTube y Facebook.

Mitchell escribe para The Dallas Morning News